Histoire de la musique Salsa : de Cuba à New York

Les racines de la Salsa sont profondément enfouies dans l'histoire des Caraïbes. Au XIXe et au début du XXe siècle, Cuba était un laboratoire musical où les traditions rythmiques et spirituelles d'Afrique de l'Ouest se mélangeaient aux mélodies et aux instruments des colonisateurs espagnols. Au cœur de ce développement se trouvaient les rythmes afro-cubains, avec en tête le Son Cubano. Le Son unissait le chant africain en appel et réponse ainsi que la rythmique fondamentale de la Clave à la guitare espagnole. Il a formé la base sur laquelle tout allait être construit par la suite. Quiconque cherche le rythme lors d'une soirée dansante aujourd'hui puise inconsciemment dans ces structures séculaires. Une compréhension plus profonde de ces rythmes aide énormément à reconnaître le rythme dans la musique de danse et à se laisser totalement porter par le sentiment.

Outre le Son, c'est surtout le Mambo qui a marqué l'ère précédant le grand boom de la Salsa. Dans les années 1940 et 1950, des chefs d'orchestre comme Perez Prado et Beny Moré ont fait bouillir les salles de La Havane, puis bientôt celles de New York. Le Mambo était sauvage, rapide et caractérisé par des sections de cuivres jazzy. Il a placé la barre très haut pour ce que la musique latino-américaine dansante devait accomplir. À la même époque, le Cha-Cha-Cha s'est développé et, avec son tempo un peu plus lent, a séduit le grand public. Tous ces styles ont voyagé dans les bagages des migrants qui, à la recherche d'une vie meilleure, ont quitté leur patrie et ont apporté leurs trésors musicaux dans les métropoles d'Amérique du Nord.

Dans les années 1960 et 1970, New York, et plus particulièrement le quartier d'East Harlem, aussi connu sous le nom d'El Barrio, est devenu l'épicentre d'un nouveau mouvement. Les immigrants portoricains et cubains y ont rencontré l'énergie urbaine du jazz, de la soul et du R&B. Dans ce creuset créatif, les rythmes afro-cubains traditionnels ont fusionné avec le son dur et honnête des rues new-yorkaises. Les musiciens cherchaient une identité propre, reflétant leur tiraillement entre la nostalgie de leur terre natale tropicale et la lutte acharnée pour la survie dans la jungle de béton. Ils ont ajouté des trombones lourds à l'orchestre traditionnel, conférant au son une force agressive insoupçonnée.

Le terme Salsa, qui signifie sauce en espagnol, est devenu à cette époque un terme marketing génial et une bannière fédératrice pour toute une génération de Latinos en exil. Il ne s'agissait pas d'un style musical totalement nouveau, mais d'un mélange épicé et hautement explosif de Son, Mambo, Guaguancó et Cha-Cha-Cha, enrichi d'influences jazz new-yorkaises. Cette musique était politique, bruyante et fière. Elle racontait des histoires de pauvreté, de solidarité et de la joie de vivre débordante de la communauté du Barrio. Pour comprendre cette époque, il faut saisir que la Salsa était bien plus qu'une simple musique de divertissement: elle était la bande-son d'une émancipation sociale et culturelle de la communauté latino-américaine aux États-Unis.

Aucune institution n'a marqué l'âge d'or de la Salsa de manière aussi décisive que le label Fania Records, fondé en 1964 par le musicien Johnny Pacheco et l'avocat Jerry Masucci. Fania est devenu le Motown de la musique latino-américaine. Ils ont signé les musiciens les plus talentueux de la scène new-yorkaise et en ont formé un ensemble All-Star qui allait écrire l'histoire de la musique. Les Fania All Stars ont réuni sur une même scène des génies comme le tromboniste Willie Colón, le chanteur surdoué Héctor Lavoe, la charismatique reine de la Salsa Celia Cruz et l'auteur-compositeur intellectuel Rubén Blades.

Le concert légendaire des Fania All Stars au club Cheetah de New York en 1971 est considéré comme l'acte de naissance du boom mondial de la Salsa. L'énergie de cette performance, immortalisée dans le documentaire Our Latin Thing, a propulsé la musique des arrière-cours d'El Barrio vers les scènes internationales. udansa a bientôt rempli des stades immenses, de l'Afrique à l'Amérique latine. Avec des textes exigeants dénonçant les injustices sociales, le collectif a prouvé que la musique de danse peut être à la fois profonde et dansante. Cette époque a jeté les bases de l'enthousiasme mondial qui anime encore aujourd'hui chaque soirée de Social Dance à travers le monde.