Pourquoi le freestyle de Let's Dance n'est pas un style de danse

Dans Let's Dance, le Freestyle désigne une épreuve de spectacle où la chorégraphie est librement conçue. Le terme décrit donc le format de la prestation. Il ne désigne pas un langage du mouvement particulier, comme une danse standard ou latine précise. Pour toi qui regardes, cela signifie que tu ne cherches pas un pas de Freestyle universel, mais les éléments qui composent ce numéro.

Il peut s’agir de passages en couple, d’enchaînements de mouvements libres, de gestes scéniques et de différentes influences de danse. Une position fermée de danse standard peut, par exemple, laisser place à un passage ouvert aux influences jazz. Les éléments restent distincts, mais ils sont choisis pour une même prestation. La liberté réside dans l’assemblage, pas dans chaque mouvement pris séparément pendant la représentation.

Le terme ne révèle donc à lui seul ni le nombre de styles utilisés ni le niveau de difficulté du numéro. Il ne signifie pas non plus qu’il doit obligatoirement contenir des acrobaties. Les consignes précises d’une épreuve télévisée peuvent également limiter les possibilités de création. Ne confonds pas cet usage télévisé avec l’entraînement spontané au Freestyle en Hip-Hop : le mot est employé dans un autre contexte de danse.

Si tu veux observer de plus près un langage de danse particulier, tu peux par exemple reconnaître le Quickstep dans un extrait de spectacle. Pour le numéro de Freestyle, c’est toutefois sa structure d’ensemble qui compte.

Une nouvelle chanson se remarque immédiatement. Un nouveau style de danse est moins évident : le même langage du mouvement peut se poursuivre sur un autre morceau. À l’inverse, le vocabulaire dansé peut changer au sein d’un seul morceau. Le nombre de chansons ne permet donc pas de compter de façon fiable le nombre de styles de danse.

Un changement de musique modifie d’abord le son. Le tempo, les accents, le chant ou l’instrumentation peuvent suggérer un autre caractère. La façon dont le couple y réagit relève d’un choix chorégraphique. Il peut relâcher sa posture, rapprocher ses pas ou réduire soudainement un déplacement jusque-là ample. Ce sont les mouvements qui montrent ce que le changement signifie pour la danse. L’article sur la musique du Jive et son caractère en mouvement explique également le lien entre le son et la danse qui lui correspond.

La transition elle-même est particulièrement révélatrice. Le couple doit terminer la figure en cours, transférer son poids de manière adaptée et arriver dans une position qui lui permette d’aborder la nouvelle partie. Une pose tenue ou un arrêt partagé peut servir de passerelle. Ce qui ressemble à une rupture surprenante demande donc souvent une préparation très précise. Sans elle, la musique et le corps changeraient certes en même temps, mais ne seraient pas encore reliés de manière convaincante.

Une chorégraphie de spectacle peut comporter de nombreux éléments différents tout en restant claire. Pour cela, des liens entre ses différentes parties sont nécessaires. Un mouvement réapparaît, une distance initiale se réduit ou un passage d’abord calme reçoit plus tard une réponse énergique. Ces liens aident le public à se repérer, sans qu’il ait besoin de savoir nommer chaque style de danse.

La dramaturgie ne signifie pas nécessairement qu’il y a une intrigue avec des personnages clairement identifiables. Une évolution de la retenue à l’exubérance peut aussi former un arc. De même, un accent musical récurrent peut relier les différentes sections. En revanche, si chaque transition apporte seulement une nouvelle attraction, on obtient plutôt une succession de temps forts qu’un déroulement cohérent.

Pour apprécier ces spectacles, un autre critère est donc plus utile que le simple comptage : qu’est-ce qui change entre les danseurs et qu’est-ce qui reste reconnaissable ? Une conclusion peut reprendre un geste du début et lui donner un autre sens. Le numéro trouve alors sa conclusion, au lieu de s’arrêter simplement sur la dernière note.

Si tu souhaites danser toi-même ce type de spectacle, les bases des différentes formes de mouvement restent importantes. L’effet scénique ne remplace ni une posture stable ni des changements de poids précis. Il faut aussi se mettre d’accord sur le timing : vous savez tous les deux quand rompre une connexion, quelle position occuper ensuite et dans quelle direction ouvrir la scène vers le public.