Let's Dance Contemporary: Come il movimento racconta storie

Contemporary indica un ampio ambito della danza contemporanea, non una sequenza di passi identica ovunque. In uno spettacolo di danza diventa una versione scenica condensata: movimento, musica e relazione tra chi danza devono risultare leggibili in poco tempo. Questo non significa che ogni esibizione racconti una storia dal significato univoco. Può anche mostrare uno stato d'animo o un conflitto.

Particolarmente rivelatore è il modo in cui si gestisce il peso. Un corpo può sollevarsi contro la gravità, cedere a essa in modo controllato o essere sorretto da un altro corpo. Cedere il peso non significa rilasciare ogni tensione muscolare. Anche un abbassarsi che sembra morbido richiede coordinazione, affinché la direzione e l'atterraggio restino sotto controllo.

Per te, che guardi, il significato nasce dal cambiamento: qualcuno inizialmente si mantiene eretto, si ritrae e in seguito si lascia sostenere. Questo può suggerire fiducia. La stessa sequenza, con lo sguardo rivolto altrove e il contatto interrotto subito, può esprimere rifiuto. Il movimento, quindi, non ha una traduzione fissa. Anche quando si tratta di esprimere emozioni attraverso la danza, il suo effetto dipende dal contesto, non da una mimica facciale prescritta.

Una mano sul pavimento, un rotolamento o un affondo profondo si notano subito in televisione. È facile che momenti del genere diventino un presunto tratto distintivo della danza Contemporary. Il lavoro a terra, però, compare anche in altre forme di danza e nelle sequenze acrobatiche degli spettacoli. Al contrario, un brano di Contemporary può mantenere a lungo una postura eretta.

È più significativo osservare come la coreografia integra il pavimento. Lo si tocca solo per ottenere un effetto isolato, prima di riprendere i movimenti abituali? Oppure la vicinanza al pavimento cambia la qualità del movimento nel suo insieme: il corpo si raccoglie, i percorsi scendono, cambiano le superfici di contatto e il rialzarsi sembra una risposta al precedente abbassarsi? In questo caso, la vicinanza al pavimento fa parte di un insieme, anziché essere solo un momento intermedio che attira l’attenzione.

Un’immagine fissa mostra una posizione, ma non il modo in cui si gestisce il peso. Un cambio di inquadratura può saltare proprio il passaggio che rende comprensibile un movimento. Per questo, una ripresa d’insieme con i corpi visibili per intero è più utile di un primo piano sul viso. Per vedere quanto possano essere diversi gli indizi di stile e gli effetti scenici, dai un’occhiata anche al Quickstep in un video di spettacolo. Per il Contemporary, ciò che conta è quali qualità di movimento si combinano tra loro nel corso di più momenti.

La mancanza di un repertorio definito di figure non significa che una coreografia di danza contemporanea sia priva di ordine. La struttura può nascere da idee di movimento ricorrenti. Immagina un’esibizione in cui una persona all’inizio tende la mano verso l’altra. Più avanti, lo stesso gesto compare con entrambe le mani, poi solo come un piccolo impulso della spalla. Riconosci un legame, anche se il movimento non viene ripetuto in modo identico.

Queste variazioni rendono visibile l’evoluzione. Un motivo può diventare più ampio, interrompersi, cambiare direzione oppure essere ripreso dall’altra persona. Conta anche il momento: una risposta immediata produce un effetto diverso da una risposta dopo una lunga pausa. La musica può sostenere questa tensione, per esempio quando un gesto viene mantenuto oltre un accento musicale. Non è necessario accompagnare ogni battito con un passo.

La narrazione resta aperta. Fare un passo indietro può esprimere protezione, dubbio o determinazione. Non serve una spiegazione univoca per percepire il cambiamento. Costumi, luci e testo della canzone suggeriscono interpretazioni, ma non le dimostrano. Una convincente coreografia di danza contemporanea per uno spettacolo fa interagire le sue idee di movimento, così che l’evoluzione resti riconoscibile anche tra gli effetti più spettacolari.