Riverdance e Lord of the Dance: la differenza

Riverdance è nato nel 1994 come esibizione durante l’intervallo dell’Eurovision Song Contest a Dublino. Il breve numero con Jean Butler e Michael Flatley ha presentato l’Irish Dance a un pubblico televisivo internazionale. La composizione di Bill Whelan univa un inizio più tranquillo a una potente crescita della danza. Il passaggio al grande ensemble ha trasformato un preciso lavoro di piedi in un’immagine comprensibile anche senza conoscenze pregresse.

Nel 1995 è seguita la produzione teatrale a serata intera. La produttrice Moya Doherty e il regista John McColgan hanno sviluppato l’esibizione televisiva in un racconto più ampio: origini irlandesi, nuovi inizi, emigrazione e incontri con altre culture. La celebre esibizione dell’ensemble è così diventata parte di uno spettacolo serale, non il suo contenuto completo.

Michael Flatley ha lasciato Riverdance nel 1995 e nel 1996 ha portato in scena Lord of the Dance. Per lo spettacolo è stata composta una musica originale da Ronan Hardiman ed è stato sviluppato un concept incentrato maggiormente su personaggi riconoscibili. La storia comune dei protagonisti spiega la somiglianza, ma non rende le produzioni due versioni dello stesso spettacolo.

Quando distingui tra Riverdance e Lord of the Dance, confronti quindi scelte artistiche. Non confronti due scuole tradizionali né due modi ufficiali di imparare l’Irish Dance a lezione.

In Riverdance, la musica di Bill Whelan accompagna il passaggio tra passaggi lirici, numeri di danza ritmici e incontri tra diverse sonorità musicali. I suoni degli strumenti irlandesi e il canto si inseriscono in un arrangiamento scenico più ampio. I suoni dei piedi possono diventare essi stessi una voce ritmica: non ascolti solo musica di accompagnamento, ma un dialogo tra musicisti e danzatori.

Lo spettacolo, che dura un’intera serata, apre questo dialogo anche ad altre tradizioni di danza. Uno scambio con il tip tap americano o un numero di Flamenco ampliano il viaggio tematico. Questi incontri spiegano perché Riverdance non è semplicemente un lungo medley di danze soliste irlandesi.

La musica di Ronan Hardiman per Lord of the Dance è più incentrata sulla tensione drammatica tra i personaggi. Melodie riconoscibili, atmosfere contrastanti e crescendo incisivi ti aiutano a distinguere tra entrata in scena, minaccia e risoluzione. Sonorità elettroniche e orchestrali danno a questo conflitto una dimensione scenica grandiosa.

Entrambe le produzioni alternano momenti tranquilli e veloci. La distinzione, quindi, non è tra acustico ed elettronico o tra tradizionale e moderno. Ciò che conta è il ruolo della musica. Che le caratteristiche sonore spieghino più di una semplice indicazione di tempo è illustrato anche dalla guida su cosa rivela il tempo di una danza e cosa no.

La danza irlandese offre a entrambi gli spettacoli un linguaggio comune del movimento: passi veloci, salti, ritmi scanditi con precisione e ensemble sincronizzati. Sul palco, però, questi elementi vengono selezionati, amplificati e combinati con movimenti nello spazio, gesti o luci. Per questo Riverdance non è uno stile di danza a sé. Il nome indica uno spettacolo che mette in scena la danza irlandese per una serata specifica.

Riverdance si basa soprattutto su una struttura drammaturgica tematica, simile a quella di una rivista. Segui immagini di comunità, slancio e incontro, non una singola figura principale con un antagonista fisso dall’inizio alla fine. Qui una fila ampia di ballerini può esprimere un forte senso di appartenenza. Un assolo aggiunge un accento individuale all’interno di questo viaggio più ampio.

Lord of the Dance punta su una trama fantasy più definita, con un eroe, degli antagonisti e un conflitto tra il bene e il male. Qui la stessa precisione di un gruppo può anche rappresentare potere o minaccia. Un assolo acquista significato grazie al ruolo del personaggio, secondo un principio simile a quello di dare desideri e trasformazione a un personaggio sul palco.

Il significato, quindi, non sta solo nel passo, ma anche nel modo in cui viene usato. Questa distinzione ti aiuta sia mentre guardi lo spettacolo, sia a riconoscere i tratti della danza dietro gli effetti scenici: la messa in scena cambia l’impressione, senza creare automaticamente un nuovo stile di danza.