Let's Dance Contemporary: Hoe beweging verhalen vertelt

Contemporary verwijst naar een breed veld van hedendaagse dans, niet naar een overal identieke reeks passen. In een dansvoorstelling ontstaat daaruit een compacte versie voor het podium: beweging, muziek en de relatie tussen de dansers moeten in korte tijd leesbaar worden. Dat betekent niet dat elke voorstelling een verhaal vertelt dat eenduidig te ontcijferen is. Ze kan ook een toestand of een conflict laten zien.

Bijzonder verhelderend is de manier waarop met gewicht wordt omgegaan. Een lichaam kan zich tegen de zwaartekracht oprichten, zich er gecontroleerd aan overgeven of door een ander lichaam worden opgevangen. Gewicht afgeven betekent niet dat je alle spierspanning loslaat. Ook voor een beweging die zacht oogt, is controle nodig om de richting en de landing beheerst te houden.

Voor jou als toeschouwer ontstaat betekenis door de afwisseling: iemand houdt zich eerst rechtop, wijkt terug en laat zich later ondersteunen. Dat kan vertrouwen suggereren. Dezelfde opeenvolging kan afwijzing uitdrukken als de persoon de blik afwendt en het contact meteen verbreekt. De beweging heeft dus geen vaste vertaling. Ook bij het uiten van gevoelens door te dansen hangt het effect ervan af van de context, niet van een voorgeschreven gezichtsuitdrukking.

Een hand op de grond, een rol of een diepe uitvalspas valt op tv meteen op. Zulke momenten worden al snel gezien als hét kenmerk van Contemporary. Grondwerk komt echter ook voor in andere dansvormen en in acrobatische showscènes. Omgekeerd kan een stuk Contemporary lange tijd rechtop blijven.

Veelzeggender is de manier waarop de choreografie de grond gebruikt. Raakt de danser die alleen aan voor één effect, waarna de gebruikelijke beweging verdergaat? Of verandert de nabijheid van de grond de hele kwaliteit: het lichaam wordt compacter, bewegingen voeren lager, contactvlakken wisselen en het overeind komen voelt als een antwoord op het eerdere zakken? Dan is dicht bij de grond zijn onderdeel van een samenhangend geheel, in plaats van zomaar een opvallend tussendoormoment.

Een stilstaand beeld toont een positie, maar niet hoe er met gewicht wordt omgegaan. Een camerawissel kan juist de overgang weglaten die een beweging begrijpelijk maakt. Een totaalbeeld waarop het hele lichaam zichtbaar is, helpt daarom meer dan een close-up van het gezicht. Ook de vergelijking met Quickstep in een showclip laat zien hoe verschillend stijlaanwijzingen en showeffecten kunnen zijn. Voor Contemporary blijft vooral belangrijk welke bewegingskwaliteiten over meerdere momenten bij elkaar passen.

Een Contemporary-choreografie mist niet automatisch structuur als er geen vaste catalogus met figuren is. Die kan ontstaan door terugkerende bewegingsideeën. Stel je een optreden voor waarin iemand eerst naar een ander reikt. Later zien we hetzelfde reiken met beide handen, en daarna alleen nog als een kleine impuls vanuit de schouder. Je herkent een verband, ook al wordt de beweging niet exact herhaald.

Door zulke veranderingen wordt ontwikkeling zichtbaar. Een motief kan groter worden, worden afgebroken, van richting veranderen of door de ander worden overgenomen. Ook het moment telt: een direct antwoord voelt anders aan dan een antwoord na een lange pauze. Muziek kan die spanning ondersteunen, bijvoorbeeld wanneer een gebaar wordt aangehouden tot na een muzikaal accent. Je hoeft niet elke tel met een stap uit te beelden.

Het verhaal blijft daarbij open. Een stap achteruit kan bescherming, twijfel of vastberadenheid betekenen. Je hoeft het verhaal niet precies te kunnen navertellen om de verandering waar te nemen. Kostuum, licht en songtekst reiken interpretaties aan, maar bewijzen ze niet. Een overtuigende Contemporary-showchoreografie laat de bewegingsideeën op elkaar reageren, zodat ook tussen grote effecten een herkenbare ontwikkeling blijft bestaan.