Burleska bez rozbierania się: kostium bierze udział w grze

Kurtka jest przede wszystkim ubraniem. Na scenie może być także mundurem, tarczą ochronną lub dumnie prezentowanym przedmiotem. To, jakie znaczenie staje się widoczne, zależy od tego, jak się z nią obchodzisz. Gdy rzeczowo wygładzasz klapę, wygląda to inaczej niż wtedy, gdy prezentujesz to samo miejsce niczym cenne znalezisko.

W burlesce bez striptizu to właśnie ta relacja nadaje sens działaniom z kostiumem. Publiczność musi dostrzec decyzję, a nie tylko ruch ręki. Dotknięcie kołnierza nabiera znaczenia, gdy poświęcasz mu uwagę, a potem kontynuujesz występ w zmieniony sposób. Jeśli natomiast podczas tańca ciągle poprawiasz ubranie, na pierwszy rzut oka widać jedynie praktyczną korektę.

Często wystarczy jeden wyrazisty detal: szeroki kołnierz, kontrastująca podszewka lub zwiewna chusta. Reszta stroju może pozostać prosta. Dzięki temu kilka poruszających się tkanin nie konkuruje o uwagę. O tym, jak przenosić uwagę między elementem garderoby a widzami, przeczytasz na stronie o kierowaniu spojrzeniem w burlesce. Najważniejsze jest to, jaką rolę odgrywa w danej chwili twój kostium: czy go prezentujesz, zmieniasz, czy demonstracyjnie pozostawiasz bez zmian?

Otwarcie nie oznacza automatycznie rozebrania się. Gdy odwracasz klapę marynarki na zewnątrz, może ukazać się zaskakująco kolorowa podszewka. Marynarka pozostaje na tobie, a koszulka pod spodem zakrywa tułów. Odsłaniasz detal projektu. Nie musisz przy tym bardziej rozpinać zapięcia, niż wymaga tego planowana powierzchnia do pokazania.

Przełożenie zmienia układ. Szeroki szal, początkowo luźno zarzucony na oba ramiona, później układa się jak szarfa na jednym boku. Dzięki temu swobodna stylizacja może nagle nabrać odświętnego charakteru. Materiał pozostaje przy tobie, a jego nowe ułożenie niesie przekaz. Krótkie, przejrzyste ruchy materiału pomagają zadbać o to, by zmiana była czytelna i nie wyglądała jak plątanie się.

Świadome pozostawienie czegoś bez zmian wymaga natomiast widocznego nawiązania do możliwej zmiany. Sięgasz ręką do guzika płaszcza, zatrzymujesz się i zamiast tego wygładzasz zapięty płaszcz. W ten sposób pokazujesz swoją decyzję. Jeśli ubranie po prostu pozostaje nietknięte, nie jest to jeszcze odegrana scena z kostiumem.

Każda z tych trzech możliwości może pasować do muzycznego akcentu. Krótki dźwięk może na przykład podkreślić odchylenie klapy, a dłuższy ton daje czas na przełożenie szala. Nie musisz przy tym ilustrować każdego uderzenia ani budować całego występu wokół zapięć.

Gest kostiumowy staje się czytelny dzięki kontrastowi, położeniu i torowi ruchu. Nie potrzebujesz do tego wąskiej talii, długich nóg ani określonego sposobu wyrażania płci. Rozchylony rewers może ukazywać to samo odkrycie na różnych ciałach. Szarfa może podkreślać autorytet, niezależnie od płci osoby odgrywającej tę rolę.

Wybierz położenie detalu, kierując się swoimi rzeczywistymi możliwościami ruchowymi. Jeśli ruch ramieniem jest dla ciebie wygodny, możesz w tym miejscu zmienić ułożenie chusty. Jeśli lepiej sprawdzają się u ciebie mniejsze ruchy ramion, dobrze dostępny rewers pozwoli przekazać ten sam pomysł. W pozycji siedzącej obowiązuje ta sama logika sceniczna, zmieniają się jedynie widoczna powierzchnia i tor ruchu materiału. Do tych gestów pasują też płaskie buty, bo wyraz nie zależy od wysokości obcasa.

Ciężki materiał zachowuje się inaczej niż lekki. Szerokie rękawy mogą zasłonić detal, a ciasne zapięcie może utrudniać ruch. To cechy materiału, a nie oceny twojego ciała. Warto ćwiczyć pojedynczy gest kostiumowy osobno, bez długich sekwencji tanecznych. Możesz wykorzystać do tego wskazówki dotyczące krótkich sesji ćwiczeń między zajęciami. Najważniejsze pytanie brzmi: czy wybrany przez ciebie ruch sprawia, że znaczenie ubrania staje się widoczne?