Let's Dance Contemporary: Jak ruch opowiada historie

Contemporary to szeroki nurt tańca współczesnego, a nie wszędzie taka sama sekwencja kroków. W spektaklu tanecznym przybiera formę skondensowanej wersji scenicznej: ruch, muzyka i relacje między tancerzami mają być czytelne w krótkim czasie. Nie oznacza to, że każdy występ opowiada jednoznaczną historię, którą da się rozszyfrować. Może też ukazywać stan lub konflikt.

Szczególnie wymowny jest sposób pracy z ciężarem. Ciało może prostować się, pokonując siłę grawitacji, kontrolowanie jej ulegać lub być podtrzymywane przez drugie ciało. Oddanie ciężaru nie oznacza rozluźnienia wszystkich mięśni. Nawet pozornie miękkie opadanie wymaga kontroli, by zachować kierunek ruchu i bezpiecznie wylądować.

Jako widz dostrzegasz znaczenie w zmianach: ktoś najpierw stoi wyprostowany, cofa się, a później pozwala się podtrzymać. Może to sugerować zaufanie. Ten sam przebieg ruchu, jeśli towarzyszy mu odwrócone spojrzenie i natychmiastowe zerwanie kontaktu, może wyrażać odrzucenie. Ruch nie ma więc jednego, stałego znaczenia. Również przy wyrażaniu emocji poprzez taniec jego efekt zależy od kontekstu, a nie od narzuconej mimiki.

Dłoń na podłożu, przetoczenie albo głęboki wykrok od razu przyciągają uwagę w telewizji. Takie momenty łatwo uznać za rzekomy znak rozpoznawczy tańca współczesnego. Praca w parterze pojawia się jednak także w innych formach tańca i w akrobatycznych fragmentach pokazów. Z drugiej strony choreografia contemporary może przez długi czas pozostawać wyprostowana.

Bardziej miarodajne jest to, jak choreografia włącza podłoże w ruch. Czy tancerz dotyka go tylko dla pojedynczego efektu, po czym wraca do zwykłego ruchu? A może bliskość podłoża zmienia całą jakość ruchu: ciało staje się bardziej zwarte, ruch prowadzi niżej, zmieniają się powierzchnie kontaktu, a wyprostowanie wydaje się odpowiedzią na wcześniejsze opadanie? Wtedy bliskość podłoża jest częścią większej całości, a nie tylko efektownym momentem przejściowym.

Kadr pokazuje pozycję, ale nie to, jak tancerz pracuje z ciężarem ciała. Cięcie montażowe może pominąć przejście, które pozwala zrozumieć ruch. Dlatego ujęcie całej sylwetki z większej odległości daje więcej niż zbliżenie twarzy. Różnicę między wskazówkami dotyczącymi stylu a efektami scenicznymi widać także, gdy przyjrzymy się Quickstepowi w klipie pokazowym. W przypadku contemporary najważniejsze jest to, które jakości ruchu współgrają ze sobą w kolejnych momentach.

Brak ustalonego katalogu figur nie oznacza, że choreografia tańca współczesnego musi być pozbawiona porządku. Może on wynikać z powracających pomysłów ruchowych. Wyobraź sobie występ, w którym jedna osoba najpierw wyciąga rękę w stronę drugiej. Później ten sam gest pojawia się z użyciem obu rąk, a następnie zostaje zredukowany do niewielkiego impulsu płynącego z ramienia. Dostrzegasz między nimi związek, choć ruch nie jest powtarzany identycznie.

Takie zmiany sprawiają, że rozwój staje się widoczny. Motyw może narastać, urywać się, zmieniać kierunek albo zostać przejęty przez drugą osobę. Liczy się też moment: natychmiastowa odpowiedź działa inaczej niż ta po długiej pauzie. Muzyka może wzmacniać to napięcie, na przykład gdy gest trwa dłużej niż akcent muzyczny. Nie musi odzwierciedlać każdego uderzenia krokiem.

Opowieść pozostaje przy tym otwarta. Cofnięcie się może oznaczać ochronę, wątpliwość albo determinację. Nie potrzebujesz właściwego streszczenia, żeby dostrzec zmianę. Kostium, światło i tekst piosenki podsuwają interpretacje, ale ich nie potwierdzają. Przekonująca choreografia pokazowa tańca współczesnego pozwala, by jej pomysły ruchowe na siebie reagowały, dzięki czemu wyraźny rozwój pozostaje dostrzegalny także pomiędzy efektownymi momentami.