Dlaczego freestyle z Let's Dance nie jest stylem tańca

W programie Let's Dance freestyle oznacza zadanie pokazowe, które daje swobodę w tworzeniu choreografii. Termin opisuje więc formę występu. Nie określa konkretnego języka ruchu, takiego jak określony taniec standardowy czy latynoamerykański. Dla ciebie jako widza oznacza to, że nie szukasz uniwersalnego kroku freestyle’owego, lecz środków, z których zbudowano ten układ.

Mogą to być fragmenty tańczone w parze, otwarte sekwencje ruchów, gesty sceniczne i różne inspiracje taneczne. Na przykład zamknięta pozycja standardowa może przejść w otwarty fragment inspirowany jazzem. Poszczególne elementy pozostają rozpoznawalne, ale wybiera się je na potrzeby tego samego występu. Swobodny jest dobór elementów, nie każda pojedyncza figura podczas występu.

Sama nazwa nie zdradza więc ani liczby wykorzystanych stylów, ani stopnia trudności układu. Nie oznacza też, że układ musi zawierać akrobatykę. Konkretne wymagania zadania w programie mogą dodatkowo ograniczać swobodę twórczą. Nie utożsamiaj tego telewizyjnego użycia terminu ze spontanicznym treningiem freestyle’u w Hip-Hopie: tam słowo to jest używane w innym kontekście tanecznym.

Jeśli chcesz dokładniej przyjrzeć się konkretnemu językowi tanecznemu, możesz na przykład rozpoznać Quickstep w klipie z występu. W przypadku układu freestyle’owego decydujące znaczenie ma jednak jego całościowa konstrukcja.

Nowy utwór od razu zwraca uwagę. Nowy styl tańca jest mniej oczywisty: ten sam język ruchu może być kontynuowany przy innym utworze. Z drugiej strony materiał taneczny może się zmienić w trakcie jednego utworu. Dlatego liczba utworów nie jest wiarygodnym miernikiem liczby stylów tańca.

Zmiana muzyki wpływa przede wszystkim na brzmienie. Tempo, akcenty, śpiew lub instrumentacja mogą sugerować inny charakter. To, jak mocno para na nie zareaguje, jest decyzją choreograficzną. Może rozluźnić postawę, zagęścić kroki albo nagle ograniczyć przestrzeń, którą wcześniej pokonywała. Dopiero ruch pokazuje, co zmiana oznacza dla tańca. O tym, jak brzmienie łączy się z przypisaniem do danego tańca, wyjaśnia również artykuł o muzyce Jive'a i jej charakterze ruchowym.

Szczególnie pouczające jest samo przejście. Para musi zakończyć dotychczasową figurę, odpowiednio przenieść ciężar ciała i znaleźć się w dogodnej pozycji na początek nowej części. Utrzymana poza lub wspólne zatrzymanie mogą posłużyć za pomost. To, co wygląda na zaskakujące przerwanie, często wymaga więc bardzo dokładnego przygotowania. Bez niego muzyka i ruch ciała wprawdzie zmieniłyby się jednocześnie, ale nadal nie byłyby przekonująco ze sobą połączone.

Choreografia pokazowa może zawierać wiele różnych elementów, a mimo to sprawiać wrażenie spójnej. Potrzebuje do tego powiązań między poszczególnymi częściami. Jakiś ruch powraca, początkowy dystans się zmniejsza albo początkowo spokojny fragment później otrzymuje energiczną odpowiedź. Takie połączenia pomagają widzom odnaleźć się w układzie, nawet jeśli nie potrafią nazwać każdego stylu tańca.

Dramaturgia nie musi oznaczać historii z postaciami, o których można opowiedzieć wprost. Rozwój od powściągliwości do żywiołowości także może tworzyć łuk dramaturgiczny. Podobnie powracający akcent muzyczny może spajać kolejne części. Jeśli natomiast każda zmiana przynosi tylko nową atrakcję, powstaje raczej seria pojedynczych punktów kulminacyjnych niż spójny przebieg.

Dlatego w odbiorze przyda Ci się inna miara niż samo liczenie: co zmienia się między tancerzami, a co pozostaje rozpoznawalne? Zakończenie może nawiązywać do gestu z początku i nadawać mu inne znaczenie. Dzięki temu numer zyskuje zakończenie, zamiast po prostu kończyć się wraz z ostatnim dźwiękiem.

Jeśli chcesz samodzielnie tańczyć takie występy, podstawy poszczególnych form ruchu nadal są ważne. Efekt sceniczny nie zastąpi stabilnej postawy ani precyzyjnych przeniesień ciężaru. Dochodzi do tego wspólne ustalenie dotyczące czasu: oboje wiecie, kiedy rozluźnić połączenie, jaka pozycja w przestrzeni będzie następna i w którą stronę otworzy się scena dla publiczności.