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Musical de palco5 minutos

Como o sapateado une o elenco em 42nd Street

Por Mary De LucaAtualizado em

Em resumo
  • Em 42nd Street, os sons dos sapateados transformam candidatos individuais num conjunto de palco que dança em harmonia.
  • A audição de abertura mostra primeiro os pés por baixo da cortina e, assim, apresenta o trabalho de dança.
  • We're in the Money apresenta o espetáculo já pronto, enquanto Lullaby of Broadway acompanha o regresso de Peggy à produção.
  • As formações mostram como Peggy Sawyer passa de membro do grupo de dança a protagonista.

A produção torna-se a própria protagonista

A versão para os palcos da Broadway de 42nd Street estreou em 1980, com direção e coreografia de Gower Champion. A trama acompanha Julian Marsh enquanto prepara Pretty Lady. Peggy Sawyer chega de Allentown a Nova Iorque, e Dorothy Brock é a estrela consagrada. Quando Dorothy se lesiona e tem de sair de cena, Peggy deve assumir o papel principal. Assim, o grupo de dança ganha uma função narrativa: alguém do grupo tem de salvar a produção ameaçada.

As três cenas mais reveladoras são a audição de abertura, We're in the Money e Lullaby of Broadway. Mostram, pela ordem, a seleção, o produto final no palco e o apoio a Peggy. Os sons em conjunto deixam-te ouvir se os muitos corpos estão a atuar como uma só unidade. A simultaneidade não é o único fator. As pausas e as respostas entre subgrupos também podem criar coesão.

O ouvido distingue sons breves, embora os olhos percebam longas filas. A página sobre o Cramp Roll de quatro sons explica um elemento sonoro isolado; aqui, o que importa é o seu efeito no contexto mais amplo do palco, não aprender os passos. Para a organização visual, as distâncias e as direções do movimento são igualmente importantes. O exemplo das linhas e do ritmo no balanço de pernas da dança de majoretes permite comparar a precisão do grupo, mas não explica o trabalho sonoro específico deste musical.

Um acento final em conjunto pode unir o grupo no palco antes que os aplausos destaquem cada artista.
Um acento final em conjunto pode unir o grupo no palco antes que os aplausos destaquem cada artista.

Três pontos de referência para a versão de palco

Estreia da versão teatral na Broadway
1980
Cenas-chave desta análise
3
Níveis: produção e espetáculo dentro deles
2

Ler três cenas e suas transições

  1. Na audição, presta primeiro atenção aos pés

    A cortina que se ergue revela primeiro os pés de sapateado dos candidatos. Presta atenção ao trabalho em conjunto: mesmo antes de conheceres passos individuais, a abertura apresenta o talento, a seleção e a concorrência como um trabalho coletivo no palco.

  2. Acompanhe a transição para o elenco

    Acompanhe o grupo após a audição. Peggy chega como candidata inexperiente à produção de Julian Marsh. Quando cada pessoa divide espaço e sequências de movimentos, fica evidente que um papel no conjunto também significa responsabilidade pelos outros.

  3. Interpretar We're in the Money como número de espetáculo

    Aqui você vê a superfície reluzente de Pretty Lady, o espetáculo dentro do musical. Acentos em conjunto e filas organizadas transformam o trabalho de ensaio em uma composição cênica comercializável. Motivos de moedas ressaltam a riqueza ostensiva deste número.

  4. Acompanhar Peggy em Lullaby of Broadway

    Julian impede Peggy de voltar para Allentown na estação. Com a chegada do elenco, sua tentativa de convencê-la se transforma em um convite coletivo. Repara como uma conversa com uma pessoa se transforma em uma ação musical em grupo.

  5. Ligar o regresso ao início

    Considera o percurso de regresso de Peggy à produção tendo como pano de fundo a primeira audição. Agora, é a mesma candidata que deve assumir o papel principal. Assim, o grupo recebe uma tarefa diferente: apoiar a sua nova protagonista na apresentação conjunta.

Perguntas frequentes

  1. Gower Champion coreografou a produção original da Broadway, em 1980, e também a encenou. Assim, a dramaturgia do movimento e a encenação ficaram nas mesmas mãos. Em produções posteriores, a coreografia e os cenários podem ser diferentes. Por isso, uma apresentação atual não é necessariamente uma reprodução inalterada do seu trabalho. Em especial, a disposição dos bailarinos e as transições podem ser diferentes.

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