Ballettens historie: Fra hoffet til scenen

Rødderne til ballet ligger ikke i vor tids store operahuse, men i de pragtfulde paladser fra den italienske renæssance i det 15. århundrede. Dengang var det såkaldte balletto ikke en selvstændig scenebegivenhed, men en fast bestanddel af hoffets fester. Velhavende fyrster brugte disse overdådigt iscenesatte forestillinger til at demonstrere deres rigdom, magt og politiske indflydelse. De dansende aktører var ikke professionelle, men adelsfolkene selv, der bevægede sig i strengt koreograferede, geometriske formationer.

Da den italienske adelskvinde Katharina af Medici i det 16. århundrede giftede sig med den franske konge Henrik II, bragte hun denne kunstform med til det franske hof. Under hendes protektion udviklede spektaklet sig yderligere og kombinerede musik, dans, sang og poesi. Disse tidlige former for dans var stærkt præget af datidens mode. Tunge, gulvlange gevandter, voluminøse krinoliner og stive masker begrænsede de dansendes bevægelser massivt. Det handlede primært om repræsentation, elegance og overholdelse af den strenge hofetikette, ikke om sportslige toppræstationer eller ekspressive spring.

Det afgørende skridt mod professionalisering skylder balletten kong Ludvig 14., Solkongen. Han var selv en passioneret danser og grundlagde i 1661 Académie Royale de Danse i Paris. Dermed bragte han endegyldigt dansen ud af adelens private gemakker og op på den offentlige scene. Professionelle dansere overtog nu rollerne, og den første systematiske uddannelse begyndte. Under ledelse af koreografen Pierre Beauchamp blev de fem grundpositioner for fødderne, som stadig gælder i dag, samt princippet om udadrotation af benene, nedskrevet.

Med flytningen til teaterscenen ændrede kravene til kostumerne sig også. For at give danserne mere bevægelsesfrihed til mere krævende spring og drejninger, blev kjolerne i løbet af det 18. århundrede gradvist forkortet, og maskerne blev lagt væk. Balletten frigjorde sig fra blot at være et dekorativt element i operaen og udviklede sig til en selvstændig kunstart, der kunne fortælle historier uden brug af talte ord. Enhver, der i dag som voksen begynder tager sin første ballettime for begyndere, træner præcis på dette historiske fundament fra akademiet i Paris.

I det 19. århundrede flyttede det kreative centrum for balletudvikling sig i stigende grad til Rusland. Under zarens beskyttelse og gennem det visionære arbejde af den franske koreograf Marius Petipa ved det kejserlige Mariinskij-teater i Sankt Petersborg opnåede den klassiske ballet den perfektion, vi kender i dag. I denne epoke opstod udødelige mesterværker som Svanesøen, Tornerose og Nøddeknækkeren. Petipa kombinerede fransk elegance og italiensk virtuositet med de russiske danseres dramatiske udtrykskraft.

Den russiske skole forfinede ikke kun solisternes teknik, men ophøjede også corps de ballet, danseensemblet i baggrunden, til en selvstændig, højpræcis kunstform. Symmetriske formationer og synkrone bevægelser blev kendetegnet for denne æra. Gennem denne syntese af forskellige europæiske indflydelser opstod den russiske skole, som den dag i dag betragtes som indbegrebet af teknisk perfektion og dyb emotionalitet. For alle, der selv ønsker at opleve denne fascinerende verden i dag, tilbyder en struktureret ballettime for voksne de ideelle rammer for trin for trin at forstå den historiske forbindelse mellem kropskontrol og æstetik.