Kuinka romanttinen mestariteos mullisti tanssimaailman
Gisellen kantaesitys 28. kesäkuuta 1841 Pariisissa merkitsee romanttisen baletin ehdotonta huippukohtaa. Aikakaudella, jolloin taide kääntyi pois valistuksen tiukasta järjen käytöstä ja suuntautui kohti tunteiden maailmaa, mystiikkaa ja pelottavia asioita, tämä teos osui täsmälleen ajan hermoon. Runoilijat Théophile Gautier ja Jules-Henri Vernoy de Saint-Georges loivat libretton Heinrich Heinen slaavilaista Wilis-tarua koskevien muistiinpanojen pohjalta. Adolphe Adamin musiikki asetti uudet standardit: ensimmäistä kertaa johtoaiheita käytettiin johdonmukaisesti antamaan hahmoille, kuten viattomalle Gisellelle tai petturi Albrechtille, kiinteä musiikillinen identiteetti. Jokainen, joka haluaa nykyään ymmärtää äänten voiman baletissa, löytää Adamin partituurista täydellisen historiallisen perustan.
Huolettomasta viininkorjuujuhlasta varjojen valtakuntaan
Teoksen kulttuurinen merkitys piilee sen kaksiosaisessa rakenteessa, joka heijastaa romantiikan syvää ristiriitaa. Ensimmäinen näytös näyttää idyllisen, joskin petollisen kuvan maaseudun elämästä, joka huipentuu Gisellen traagiseen hulluuden aiheuttamaan kuolemaan. Toinen näytös vie yleisön yölliseen metsään, Wilis-henkien valtakuntaan. Nämä ennen häitään kuolleiden nuorten morsianten henget ilmentävät pettyneen rakkauden kesyttämätöntä, tuhoisaa voimaa. Varvastanssin käyttöönoton myötä, joka saa Wilis-henget näyttämään siltä kuin ne leijuisivat painottomina maanpinnan yläpuolella, Giselle muutti tanssin estetiikkaa pysyvästi. Baletti muuttui pelkästä viihteestä syvälliseksi pohdinnaksi syyllisyydestä, lunastuksesta ja elämän katoavaisuudesta.
